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第九の第3楽章の味わい

 日本では年末師走の風物詩として当たり前すぎるほどにその名が知れ渡っている「ベートーベンの第九」だが、ここ上海でも徐々に演奏回数が増えてきているような印象である。

 10年前に第九の習慣のない中国で書いた通り、そもそも中国では第九の演奏は少なかったが、今年は暮れの音楽界のプログラムの中にちらほらと第九の名前が散見されるようになってきた。

私も昨年はその流れに乗って、先日の大みそかに第九を聴いて一年を締めた。(楽章ごとに拍手が起きる聴衆環境だったが・・・)

第九コンサートの看板

 と思っていたら、今度は今週の土曜日に日本人奏者や合唱団が大勢参加する「第九」が開催されるようで、私も慌ててチケットを手に入れた。

まあ彼らはオケも合唱もアマチュアの寄せ集め所帯なのだが、第九が浸透している日本人が大半を占めるようなので、そこそこの演奏にはなるのではないかと期待している。

 ところで、第九と言えば合唱を伴う第4楽章が圧倒的に有名だが、交響曲であるからには第1楽章から第3楽章までもきちんと存在し、音楽の作曲理念から言えば、開始から終わりに向かって一つの流れがあって、繋がっていることに意味があるのであり、第4楽章だけ聴けばいいというものではない。

 この 第九の各楽章のイメージは「チェリビダッケの第九」でも書いたが私は下記のようなイメージで捉えている。(前回より若干修正)

 第1楽章は、恐る恐る勇気を持って踏み出し壁にぶつかりながら開拓する精神

 第2楽章は、試行錯誤の中、大きな夢への希望の道筋を感じつつ進む喜びと苦労の時間

 第3楽章は、ふと立ち止まり、迷いの中、自分の内面と向き合い思慮にふける時間。

 第4楽章は、迷いが消えて夢の実現にまっすぐ進み希望の喜びがふつふつとわきあがる。
そして苦労を共にした仲間と喜びの宴、最後はどんちゃん騒ぎへ 。

 このうち第3楽章のアダージョは、実に優しい曲である。

 人によっては怠惰な冗長な楽章と評価する向きもあるようだが、第3楽章は第1第2楽章で力が入っていた状態から、ふっと肩の力を抜いて、自分の歩んできた道や自分自身の内面を迷いながらゆっくりと顧みる時間を与えてくれる音楽である。

 苦しかった時間や迷っていた時間などを思い出しつつ、あれこれや考えていくうちに、心の迷いが整理されて行き、徐々に心が一つの方向へ集約されていく効果がある。

 そして心の迷いが消えた状態で第3楽章が終わり、第4楽章で心身ともに力強く再度立ち上がり再び前へ動き始める音楽となり、いわゆる「心が決まった状態 」 になる。

このように第3楽章は心の浄化作用ともいうべき優しさがあり、メロディに心と身を預けることによって、心の迷いや苦しさを音楽が優しく慰めじっくりと自分の日常やそれまでの時間を思い出させてくれるのである。

 そしてこういった自分への振り返りがあって、初めて「心が決まって」第4楽章の喜びの爆発に繋がる。

 逆に第1第2楽章での苦悩があってこそ、第3楽章の振り返りが意味を持つ面もあって、いきなり前提(第1第2楽章)もなしに、振り返りの時間を持っても何も出て来ないのである。

この第九の第3楽章は、後にアダージョの大家(たいか)と評されるブルックナーが参考にしたとされるほど、深い隠れた名曲であり、第九に足を運ばれる方は合唱楽章の前の退屈な時間などと思わずにじっくりと心を預けて聴いてほしいと思っている。

中国人はテクニシャンが好き?

 上海でずっとコンサートを聴き続けていると、中国の聴衆に喜ばれる音楽家のタイプが自然と分かってくる。

 特にソリストに聴衆の好みの差が強く見える。

 どういったタイプが中国の聴衆に好かれるのかというとずばり「テクニシャン」タイプの演奏家ということになる。

 つまり、中国の聴衆には奥深い味わいのある演奏より、どうも超絶技巧的な速弾きを行うような演奏がウケているようである。

 中国人ソリストたちの演奏を見ていても、まさに体育会系的演奏スタイルと言うか、力いっぱい自転車をこぐかのように力を入れて熱演する。
 まあそれはそれで音楽演奏スタイルの一つの要素なのだが、音楽の魅力というのはそんな形式的なところだけはなく、もっと深い内面的なところにあるはずである。

 しかし中国の演奏家たちはどうもテクニックを磨けばいい演奏になるのだと信奉しているようなフシがみえる。

 実際、彼らの音楽には「歌い」があまり感じられず、内面から飛び出してくる音のゆれというか心の動きが感じとれないのである。
 確かにテクニックとしてはうまいのだろうが、あれでは芸術ではなく単なる楽器芸であり、極端な言い方をすれば大道芸の延長でしかなく人の心を震わすようなものにはならない。

 また聴衆にも問題がある。

 演奏家がそういったテクニック偏重の演奏をするものだから、「歌う」演奏というものに慣れず、聴衆も心で音色を聴くという姿勢で音楽に接していない。

 つまり初めから音楽によっての心が震えるような体験を期待しておらず、ステイタス的な満足感や、超絶的な技巧や単に心地よいだけの音、激しいだけの音楽を観に来ている聴衆が大勢いるような印象である。

 それ故なのか、演奏後の拍手もどこか形式的であり、楽章間に拍手が起こったり、指揮者が指揮棒を下ろしていないのに総休止の部分で音が途切れた途端に拍手が起きてしまう。

 まあ楽章間の拍手については、事前知識や慣れの問題でもあり、時に楽章そのものがすごい演奏だったり、交響曲のフィナーレを思わすような終わり方だったりする場合があるので、拍手をしたくなる気持ちもわからないではないので。あまり目くじら立てて非難するものでもない。
 しかし、曲が終わっての興奮鎮まる前の早すぎる拍手や、むやみにやたらに猿の遠吠えごとくホーホーと無意味な歓声を上げ盛り上げようとする聴衆にはやはり辟易する。

 特にこちらがそれほど良い演奏じゃなかったと感じたような時でも、中国人ソリストが超絶技巧を見せたときはホーホーと言葉になってない歓声で盛り上げだけ演出する。

 これを聴くとああ、彼らは音を聴いていても音楽は聴こえていなかったんだなとがっかりするのである。

 どうやら上海は音楽鑑賞文化がまだ成熟しておらず成長過渡期のようで、今のところまだじっくり音楽を聴いて感動したいというより、ステイタスで聴きに行くといった人が多いようで、テクニシャンの芸を観に行く鑑賞スタイルのようである。

チェリビダッケのブルックナー7番のライブ映像

最近YOUTUBEを覗いていると、時々懐かしい映像に出くわす。
 その一つが、チェリビダッケが1990年に手兵のミュンヘンフィルハーモニー管弦楽団を率いて、東京赤坂のサントリーホールで行った演奏会の映像で、非常に懐かしさを覚えた。

 忘れもしない1990年10月18日の夜で曲目はブルックナー作曲の交響曲の第7番である。

 何故懐かしいかというと、実は当日会場に足を運んでおり、この演奏を会場にて生で聴いていたからである。

 ただ、今でこそブルックナー好きを自認していて、この組み合わせと曲目であれば垂涎の内容であり、金がなくても借金しても行くかもしれないほど惹かれるのだが、実は当時はブルックナーの音楽というものを私は丸で知らなかった。

 もちろん知識としてブルックナーという作曲家がいることは知っていたが、作品を聴くことはほぼ初体験だった。

 そんなブルックナー初心者の私が、ファンからすれば超プラチナのチェリビダッケの演奏会に何故行ったかといえば、母親の知り合い経由で幸運にもチケットが回ってきたからである。

 協賛企業向けのチケットのようで、当然S席であり、前から15列目くらい超良い席だった!

 いまなら考えるだけでも気絶しそうなほど、すごい体験だったのである。

 しかし、上述のように当時の私は残念なほどのブルックナー初心者であった。

 というか生のオーケストラ演奏会でさえ、通算片手で足りる程度のビギナー聴衆であり、海外オーケストラも当然初体験だった。

 故に、これだけのプラチナ演奏会でありながら、当時の自分にはその価値を味わい切ることができなかったのである。

 居眠りこそしなかったが、ブルックナーの長くゆるやかな曲は非常に長く感じられ、自分の中でどう受け止めて良いかわからなかったのである。
 もちろん、音色は非常に美しく、音も非常に分厚く柔かったことは非常に印象に残っているが、いかんせんブルックナーやチェリビダッケ音楽性を理解するには当時の自分は未熟すぎたのである。

 今思えば非常に勿体無い体験だったのである。

 しかし、この時の縁というか体験が、その後の音楽鑑賞行動に大きな影響を与えてくれることになる。

 チェリビダッケの音楽の凄さの価値を認識してのめり込むようになったのは、NHKの特番か何かがきっかけだと思うが、禅を通じて音楽を語るチェリビダッケ氏の言葉に強く惹かれていくことになる。

 そしてブルックナーとチェリビダッケの偉大さを知った後、改めて当時の映像を確かめてみると、鳥肌が立つほど素晴らしい出来栄えだったということが分かった。

 改めて当時の自分がこの演奏を理解しきれなかったことを悔やむと同時に、結局はあの日があったからこそその後に感化された今の自分があったのかなと思うと、人生の出会いの不思議を感じるこの映像なのである。